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The tempo of a phenom: An interview with Gonzalo Rubalcaba

Paul Weideman – The New Mexican

Two piano powerhouses share the stage at the Lensic Peforming Arts Center on Saturday, July 28. With 13 Grammy or Latin Grammy awards between them, Chucho Valdés and Gonzalo Rubalcaba promise to electrify what will probably be a sold-out crowd at the New Mexico Jazz Festival event. Valdés, born in Havana in 1941, is best known for the many-flavored Irakere, a band he led from 1973 to 2005. He is also a veteran of work with his father, Ramón “Bebo” Valdés, and with Tito Puente and Paquito D’Rivera.

Rubalcaba was born into a musical Havana family in 1963. At age six, he was drumming for his father’s orchestra and two years later shifted to the piano “just to please my mother,” as he once put it. Today, Rubalcaba has made more than 20 albums as leader. He has had long musical relationships with Brazilian vocalist Ithamara Koorax and with jazz bassist Charlie Haden, who died in 2014. Rubalcaba’s credits list includes Haden’s Nocturne (2001) and Land of the Sun (2004) and two albums by saxophonist Jane Bunnett: Spirits of Havana (1993) and Spirits of Havana/Chamalongo (2016).

Pasatiempo talked to Rubalcaba by phone. He was in Miami, where he has lived since 1996 and teaches at the Frost School of Music, University of Miami.

 Pasatiempo: Gonzalo, how long have you been making music with Chucho Valdés?

Gonzalo Rubalcaba: I think this is the first time we’re doing a concert of duets. We did a concert in Istanbul a long time ago, also one in Greece and in Havana in the 1980s on a TV show, where we played a three-piano concert with Frank Emilio [Flynn]. This is the first time we sat down and said, “Let’s do something, we should tour,” and that was about a year and a half ago. We have been in Europe and Asia and we did a few concerts in the last month in the States.

Pasa: You’re a little more than 20 years, or a generation, apart. How would you describe your differences and your similarities?

Rubalcaba: I prefer to talk about the similarities. We can talk about stories with different musicians in Cuba, we can talk about having the same experience in many aspects of life in Cuba because I was living in Cuba until I was twenty-seven years old, so we have a lot to share. Chucho is the kind of musician and person who is always looking to see what is happening out there. He’s not someone just attached to his own generation, he’s always talking to you about new guys, like, “Did you hear that album?”

Pasa: Chucho came up in a time when music more often was played for dancing, rather than sitting and listening.

Rubalcaba: Yeah, but look, I made a lot of dancing music when I was in Cuba. I’m coming from a family that has been involved in dancing music for a long time. My grandfather, my father, my uncles, my two brothers all worked with the most typical Cuban music, like danzón, son, guaracha, and boleros, and I heard a lot of this music in my house when I was a kid. And I played with Orquesta Aragón and other bands and singers in Cuba when I was really young, bands that were well-known — by people, because this is festive music, popular music.

Pasa: One of your recent albums is Charlie. Is that about Charlie Haden?

Rubalcaba: Exactly. That was an obligation. I had to do that, and I have in mind to do one or two more albums with music that I know he enjoyed. I feel very blessed to have had the chance to hang around with Charlie and tour with him. He came to Cuba in 1986 with his Liberation Music Orchestra. They played a concert as part of a festival program and I was supposed to play after them with my own band; I had a septet at that time. Charlie and his wife stayed after and saw us play, then they came backstage. He said, “Hey, we need to find a place to play in Havana, because I want to bring a recording of you and me playing to the States.” We had a few hours in a recording studio in Havana and we played a few tunes and he took a cassette and brought it to Bruce Lundvall’s office at Blue Note Records. He told Bruce, “You have to sign that guy and bring him here.”

Charlie and I spent a lot of time talking and playing and touring and recording a few albums, and I learned a lot from him. He had a very strong personality musically and he was very openminded, musically. I remember when we made the album about Cuban and Mexican boleros, Nocturne, he called me and said, “I want to do a new record but I don’t want do a bebop record or a straight-ahead jazz record. I want something totally different. What can you suggest?” I told him, I know you like ballads and beautiful harmonies and melodies, so I will send to you a CD compilation of Cuban and Mexican boleros. Listen to that and call me and maybe we can make a recording. He called back and said, “We have to do that music. You do the arrangement and the production, but we have to go right now.”

Pasa: You brought your trio to Santa Fe in 2001. In an interview then, you said your early musical inspirations from the jazz world included Thelonious Monk, Erroll Garner, and Charlie Parker. Who were your Cuban-music mentors?

Rubalcaba: My family. The house where I grew up was my first school, my first musical reference. I was able to see my father rehearsing and also talking and delivering different comments and ideas with other great musicians around, many people who were the biggest names in Cuba at that time. They used to go to my house and talk about music and life, and also make music. I saw so many people at a very high level of performance with deep concepts about how to do music and a vision about what should be, at that moment, the Cuban music. That was an unbelievable reference to me.

Pasa: Are you working on a new record?
Rubalcaba: Man, I’m always working on something. I believe that the only way to find something else is to keep yourself working. When you mention working, people automatically think about playing on stage in front of people, but working to me is not that. It is when I’m home spending hours and hours with the instrument and writing music exploring and searching. I’m composing a piece for piano and symphony orchestra that I’m supposed to premiere in November in Istanbul and in Italy and Croatia. At the same time, I’ll be doing a concert of Gershwin for piano and orchestra.

Pasa: Can you talk about your relationship with Dizzy Gillespie?

Rubalcaba: Two years before Charlie, I had the opportunity to play with Dizzy and he wanted to see if I could fly to the States with him, but it was impossible because of visa problems between Cuba and the United States. Dizzy was a combination that you usually don’t see. He was a genius, he was a guy with a vision of music and a trumpet player but also an amazing human being. He was always in the attitude to help people. He was always promoting young guys, trumpet players and piano players not only from here but from Latin America.

Dizzy went to Cuba in the 1970s and he played in Havana. I was a very young guy and I didn’t get to see that concert. The entrance was very controlled by the government. But he came in 1984 and we met. I was playing at the old Hotel Nacional. He had a room there and the day he arrived I was playing there. They took him there to eat and listen to some music and I was playing with my band. When I was finished, he came backstage and he was very funny because he had his trumpet and he took out some sheet music and he said, “Do you think you can play this without rehearsing?” I saw the music and it was very complicated, very difficult to play. I said, “Well, you have to give me 24 hours to check that and then we can play.” He said, “No, no, that was a joke, but I want you to play with me tomorrow.” That was the first day of the festival. I was twenty or twenty-one years old, and after that I played with him in Havana. He was amazing. He pushed me very strongly.

I started touring with my own bands in Europe and many people said, “I know about you because Dizzy was here and he was talking about you.” I owe him a lot. I always said that at twenty-one years old, if you have names like Dizzy Gillespie and Charlie Haden trust you and trust what you are doing, you cannot ask for any more. ◀

The New Bosendorfer 280VC

Cuba, embajadora hispana

Fotos: Robert Torres en el Jordan Hall, cortesía de Stephanie Janes, by Celebrity Series of Boston

Luego de llenar el Jordan Hall y el Chicago Symphony Center, Chucho Valdez y Gonzalo Rubalcaba parten hacia Europa para tocar en las salas más prestigiosas del mundo.

En el Jordan Hall del conservatorio de Nueva Inglaterra es común escuchar piezas de Rachmaninoff, Stravinsky y Beethoven. Sin embargo, en esta oportunidad la anfitriona es la música de Cuba. En este templo de la música, donde los hispanos pocas veces acceden, hay dos Steinway enfrentados, listos para una conversación entre dos de los mejores pianistas del mundo: Chucho Valdes y Gonzalo Rubalcaba.

Ambos nacieron en Cuba, y en su musicalidad está presente la formación clásica europea, el jazz, y la tradición afro cubana. La convivencia de estos tres elementos fluye con total naturalidad, y son reflejo de la que quizá sea la escuela musical más potente a la que un músico pueda aspirar: la unión de Europa, Estados Unidos y África.

Eso es Cuba, una miscelánea cultural, llena de desprejuicio, que hace de la carencia una oportunidad para inventar la realidad que todavía no existe. El espectáculo se llama “Trance”, y se presentará en las salas más prestigiosas del mundo, incluyendo la Konzerthaus de Viena, Chicago Symphony Center y Kölner Philarmonie.

En medio de su gira por Norte América, U-Lab conversó con ellos acerca del show, del presente de la música cubana y de cómo mantener viva la creación sincera en un contexto donde el arte se ha reducido a entretenimiento.

U-Lab: ¿Cuándo fue la primera vez que escuchaste a Chucho?
Gonzalo Rubalcaba (GR): Yo vengo de una familia de músicos. En mi casa se hablaba todo el tiempo de música, y venían muchos colegas de mi padre a ensayar. En ese contexto fue que llegué a Chucho, con sus primeros trabajos en una de las orquestas más emblemáticas que hubo en esa época que se llamó Orquesta de Música Moderna. Por ahí pasaron Chucho, Paquito (D´Rivera), Arturo (Sandoval), etc. Recuerdo ir a ver un concierto de ellos en el teatro Amadeo Roldán. Muchos de los músicos de esa orquesta, luego formaron Irakere. A partir de los once años, aproximadamente, empiezo a seguir de cerca su carrera. Todos los jóvenes estábamos pendientes de lo que hacía Chucho.

U-Lab: ¿Qué admira usted de Gonzalo?
Chucho Valdes (CV): Es un talento fuera de serie. En aquel momento estaba en desarrollo, pero ahora ya está súper maduro. Hemos ido por líneas paralelas y nos hemos encontrado. Desde el año pasado estamos haciendo tours por todo el mundo.

U-Lab: ¿Cuáles son los elementos que más le atraen de la música de Chucho?
GR: Tanto Chucho como yo venimos del mismo estrato social, y hemos estado ligados a la cultura afrocubana. El interés de Chucho por mezclar elementos de la tradición afrocubana con el jazz y la música clásica viene de ahí. Él pasa de uno a otro de estos géneros con total naturalidad y desprejuicio.

 U-Lab: ¿Cómo se explica esto? Los cubanos pasan de la música clásica al jazz, y del jazz a los cantos yorubas. Son lenguajes muy distintos…
CV: Es algo orgánico, que tiene que ver con la formación desde que somos niños. Por la mañana yo estudiaba en el conservatorio a Chopin y a Bach, y por la tarde veía a mi padre ensayando con su Orquesta Tropicana, junto a Art Tatum, Nat King Cole, etc. Y luego los cantos yorubas y las santerías que había en mi barrio. Eso se fue metiendo en el disco duro, como te decía al principio, de forma orgánica. Mi universo musical está compuesto de cada una de estas manifestaciones.

U-Lab: ¿Cómo se lleva con el diálogo entre la tradición y la vanguardia?
GR: Nunca me planteé una barrera entre ambos. En ese sentido la formación de mi casa fue determinante. Uno es reflejo de la familia. Ese componente de libertad a la hora de escuchar que había en mi casa fue fundamental. Se escuchaba a Cachao, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Leo Brouwer, un toque de santos, de rumba, etc. Transitaba por todo eso, y luego iba a la escuela y recibía una formación académica europea. Eso va creando una estructura mental que dicta formas de transmitir. Nunca puse barreras entre uno y otro. Siempre procuré que la tradición estuviera presente en todos mis planes, pero con un apetito de evolución y transformación.

U-Lab: El show se titula “Trance”, y al escucharlos en vivo uno puede ver un profundo recorrido por distintas tradiciones. ¿Cuáles son los puntos fundamentales de este recorrido?
CV: Es un recorrido por distintos caminos, a partir del lenguaje de la música afrocubana y el jazz. Cuando brindamos un concierto, aunque toquemos los mismos temas, siempre lo hacemos de forma distinta. Intentamos, justamente, no ensayar demasiado para no mecanizar, para que se mantenga un diálogo fresco entre dos generaciones que tienen el mismo punto de partida.

U-Lab: Estamos en una era de hyper información, y ustedes hacen una música que exige la participación activa del escucha. ¿Es más difícil hacer música en este contexto?
GR: Cada uno tiene un camino. Cada vez hay más ruido que intenta sacarnos de ese camino. Pero en última instancia, la música es lo que me empuja a seguir adelante. Yo vivo en la lucha que vive todo el mundo, de perfeccionarme. Porque tengo la bendición de ver mis falencias. Y eso es lo que me invita a sentarme frente a un piano todas las mañanas. No estoy en contra de ninguna manifestación musical. Esto no quiere de decir que yo esté a favor de todas. Lo que me interesa es que la gente se encuentre a sí mismo. Hay que dejar de hacer cosas para llamar la atención o para gustar. Tiene que haber una relación más profunda con lo que hacemos, que nos identifiquemos como personas con lo que hacemos, más allá del mercado.

U-Lab: En esta gira van a tocar en alguno de los lugares más prestigiosos del mundo, donde la música hispana casi no llega. ¿Cómo lo viven internamente?
CV: Es producto de todo una vida de trabajo. En América Latina está lleno de talento. Esta música tiene calidad y riqueza, puede estar a la altura de cualquier otra manifestación cultural de alto nivel.
GR: Hay lugares donde estamos llegando por primera vez. Esto no forma parte de una pose o una vanidad. Es una responsabilidad que viene atada a una vida entera de trabajo. Estoy de acuerdo en que llegar a esos lugares de tanto prestigio es un mensaje potente para la comunidad hispana en Estados Unidos, pero también es un mensaje potente para nuestros países de origen, donde en muchos casos no podemos compartir nuestra música. Pasa en Cuba, pero pasa en todo América Latina y el Caribe. Nada es negro y blanco. Hay matices. En mi caso, yo tuve que salir de Cuba para buscar nuevos espacios. Si me hubiera quedado en mi país no hubiera hecho la carrera que hice. Le pasa a muchos artistas que deben salir de su tierra de origen y crear nuevos públicos fuera de su país. En este sentido, hay que hacer un trabajo con nuestra gente. Cuando uno ve el público que va nuestros conciertos, son principalmente de origen anglosajón y europeo. A veces este público valora más nuestra tradición que nosotros mismos. Quizá hay factores económicos, pero también en muchos casos hay prejuicios. Es importante trabajar el público hispano.

U-Lab: Gonzalo, usted pasó muchos años sin poder tocar en Cuba. ¿Cómo se lidia con el desarraigo?
No te lo sé decir. Yo salí muy joven, con mucho camino para recorrer y construir nuevos espacios. Esa fue la ventaja que me ayudó a reinventarme y armar mi vida en otro lugar.

U-Lab: En la administración de Obama hubo un avance en las relaciones con Cuba. En esta administración parecería que hubo un retroceso.
GR: La administración de Obama tuvo una apariencia de flexibilidad y aceptación. Yo no estoy de acuerdo con eso. La administración de Obama fue muy inteligente, porque fue capaz de crear condiciones iguales, y dejar de ver a Cuba como la víctima.

U-Lab: ¿Cómo ve la salud de la música cubana?
CV: Hay una generación de músicos muy bien formados, que continúan y expanden el legado de la tradición. La lista de nuevos talentos es inagotable: Harold López Nussa, Rolando Luna, Tito López Gavilán, y especialmente David Virelles, un verdadero fenómeno de la nueva pianística cubana.
GR: Afortunadamente, siguen saliendo grandes exponentes de Cuba. David Virelles, Alfredo Rodríguez, Yosvany Terri, Harold López Nussa, Michelle Herrera, etc. Cuba ha sido bendecido en las artes, y especialmente en la música.



CHUCHO Y GONZALO SE UNEN EN “TRANCE” – Vistar Magazine N0.39 Mayo 2017

















Por: Michel Hernández 


Ambos pianistas saldrán a la carretera el próximo mes para presentar su disco en Europa. “Estamos en una etapa muy bonita. Es el momento en que mayor acercamiento personal hemos tenido. Tenemos muchas cosas en común, opiniones, referencias. De todo eso nació también Trance, un disco a dúo que presentaremos en Europa dentro un mes y medio”, dice a VISTAR Gonzalo Rubalcaba, mientras le gasta una broma a Chucho Valdés.

“Discutimos mucho por razones culinarias. Chucho me quiere imponer lo que tengo que comer”, agrega mientras Chucho, a su lado, lo interrumpe. “Sabes que el postre es muy importante, o cualquier cosa dulce después de comer”, ríe el hijo de Bebo, ataviado con su habitual gorra y una florida camisa.

Gonzalo y Chucho conversan con nosotros en los jardines del Hotel Nacional, luego de tomarse fotos con admiradores y responder preguntas de la prensa acreditada al Día Internacional del Jazz. Dejando a un lado cuestiones culinarias, cada uno habla desde sus propias vivencias, desde sus posiciones más íntimas y desde lo que concede una de las esencias principales a sus vidas: el jazz.

» ¿Cuál es el sentido real que le otorgan a la celebración en Cuba del Día Internacional del Jazz? 

Chucho Valdés: Hace algunas décadas el jazz no estaba bien visto. Había confusiones y muchos alegaban que era música norteamericana. Ese es un período que pasamos pero continuamos haciendo nuestra música. Existían muchos grupos y artistas como Felipe Dulzaides, Peruchín, Samuel Téllez, Frank Emilio. Luego vino la Orquesta Cubana de Música Moderna, que hizo época, con temas muy populares y referencias a la orquesta de la Muddy Riches. Eran transcripciones de la época de oro de las big bands. Después llegan los 70, cuando aparecen Irakere y Afrocuba, Los Fakires, de Pucho López.

En los 80 llegaron Emiliano Salvador y Gonzalo con su proyecto, que también hizo un cambio con su concepto rítmico. Creo que ha sido una influencia importante en la música cubana. Eventos como el Jazz Plaza, la presentación de estudiantes cubanos en universidades norteamericanas y que sus pares estadounidenses vengan a Cuba era impensable en los 60, pero es la realidad de hoy. También ha venido Wynton Marsalis con la orquesta del Lincoln Center y ha dado muchas clases. Y que venga el Instituto Thelonius Monk para celebrar el Día Internacional del Jazz es lo más grande que nos está pasando.

Gonzalo: El evento confirma todo el sueño, la idea y el olfato de las generaciones anteriores que nos encontramos con una realidad de limitaciones, falta de entendimiento y apoyo en algunas ocasiones. Esto es una especie de reafirmación y confirmación de nuestras intenciones. Los músicos que empiezan ven cómo hay puertas que se abren y les permiten llegar a otros lugares para entender mejor el campo musical en el que se quieren desarrollar. Para nosotros eso era muy difícil. Las instituciones no nos daban

señales de que nos permitirían ver la luz en algún momento. Pero nos apoyamos en la fe y seguimos insistiendo, porque para hacer arte tiene que haber una comunión espiritual muy grande. Esa convicción de que hay algo más allá de uno que te alumbra y te cuida. Eso prevaleció por encima de las carencias y venció la música. Triunfó también el respeto a la diversidad y las diferencias. Ver que estamos celebrando un día como este nos dice que hemos ganado espacio, credibilidad y profundidad.

» El jazz es una música que a veces nace del dolor para cubrir los espacios más íntimos de cada artista. ¿Cómo asumen ustedes la creación de este género? 

Gonzalo: El jazz refleja las vivencias del músico. Es imposible no reflejar las etapas que uno vive como ser humano, los anhelos, las necesidades. Hay algo de uno detrás de cada música.

Chucho: Yo vivo de acuerdo a mi signo, en el aire. O sea, que hago lo que se me ocurre en cada momento. Quizás no esté bien, pero así funciona. Hay cosas que quise hacer y nunca salieron pero de pronto un día vienen. Es impredecible. Me puedo motivar por una situación también, el estado de ánimo viene solo. Mis vivencias son muy silvestres.

Gonzalo, siendo muy joven tocaste con Dizzy Gillespie en La Habana. ¿Puede considerarse ese el punto de partida para la expansión de tu obra? 

Gonzalo: Con 21 años toqué con Dizzy en el festival de jazz en el Cabaret Parisién, del Hotel Nacional. Esa noche estaban varios grupos y llegó Dizzy, dejó sus maletas y bajó al concierto. Cuando me vio tocando subió al escenario y me preguntó si quería tocar con él. Me quedé muy impresionado y realmente fue muy importante para mí.

» Saliste de Cuba muy joven. ¿Qué sentiste? 

Gonzalo: Salí a los 26 años hacia República Dominicana, donde establecí una relación humana muy linda. Mi propósito era irme a Alemania porque tenía un sello discográfico allá, pero no pude viajar por trámites migratorios. En Dominicana nació mi segundo hijo y luego pasé a Estados Unidos, donde vivo hace 21 años. Irte de tu país es empezar a entender una realidad nueva, es volver a empezar. Cuando llegué a Estados Unidos fue como iniciar todo, a pesar de que ya tenía una carrera internacional. Fue un camino mejor para entender a profundidad el lenguaje jazzístico. He tocado en Cuba unas tres veces desde que vivo en EE.UU. y eso supone un trauma porque sientes que hay un proceso de aislamiento y te alejas de la realidad de tu nación.

» Chucho, ¿de qué manera recuerda que su padre, Bebo Valdés, haya influido más en su personalidad? 

Chucho: Mi papá tuvo un papel muy importante en la música cubana. Compartió con músicos como José Antonio Méndez, Ñico Rojas, Elena Burke, César Portillo de la Luz. De ese grupo el que sabía música era Bebo, y ejecutaba las partes del piano para que ellos pudieran registrar los temas y hacer los arreglos. Eso fue en el movimiento del filin. En el jazz él era el pianista de Tropicana y acompañó en los años 50 a Nat King Cole. Cuando Nat King Cole regresó ya Bebo no era el pianista de Tropicana, pero él puso como condición que mi padre fuera el pianista de su disco y le hiciera cuatro arreglos. Viví toda esa época y sus enseñanzas a partir de lo que me ponía a escuchar. Me influyó mucho. Él era el único referente que tenía pero era tremendo referente. A la casa venían Celia Cruz, el señor Rodríguez, y fui absorbiendo todo eso.

A los 15 años empecé a tocar el piano en la orquesta de mi padre Sabor de Cuba. Bebo era mi papá y mi amigo. Yo era su pianista y alumno al mismo tiempo. En mis primeros discos hay mucha influencia suya. En los 50 incluyó los tambores batá en las big bands. Hasta ese momento usaban la percusión pero mi papá se unió con un batalero muy famoso, Trinidad Torregosa, quien le dio la idea para el ritmo batanga. Después, con Irakere, retomé todo eso con Oscar Valdés para hacer “Bacalao con Pan” y toda la historia que se conoce. Él siempre me dijo: yo soy tu papá, pero búscate a ti mismo, y con el tiempo me fui encontrando. En Cuba su obra no está elevada a la altura que merece, pero ya se está hablando de celebrar su centenario el próximo año. Me parece que eso sería un punto de partida, un acto de justicia

Estos dos monstruos del jazz cubano se unirán en Trance, una producción a dos pianos que presentarán en Europa durante el mes de junio.



Engaging in a 90-minute conversation with Gonzalo Rubalcaba can be a little overwhelming, something like listening to one of this great pianist’s performances. He begins by mentioning his recent tour of Poland with a singer he knows there, Anna Maria Jopek. This casual reference leads to a discussion of the tangos they performed – yes, Polish tangos, which, he says, are fundamentally similar to Argentinian tangos as well as to the tangos he heard as a boy in Cuba. In fact, Rubalcaba, who is 53, felt so comfortable performing Polish tangos with Jopek – so culturally at home — that he began slipping a danzon composed by his grandfather, Jacobo Rubalcaba, into their shows. And now, as he mentions his grandfather’s legacy, memory guides the pianist toward his own Havana upbringing in the 1960s and ‘70s: his immersion in Cuban folkloric and popular music and the fact that his first instrument was the drum — as well as the fact that his conservatory teachers, most of them from the Soviet Union, regarded the rhythmic music of the streets with disdain. Even so, his compositional training remains profoundly important to him: He currently is “recomposing” a symphonic work that he wrote as a student at the National School of Arts in Havana, in 1983. And now – neatly bringing the conversation full circle — he mentions that his main composition teacher there, the Cuban composer Roberto Valera, was trained in Poland.

Actually, that was just the first 10 minutes of the conversation, which also touched on Dizzy Gillespie and Charlie Haden, two of his early jazz mentors. But those few minutes are enough to give a sense of how Rubalcaba’s mind informs his musicianship: the intellect and focus, the marshaling of vast amounts of information, which he decodes to create musical stories told with precision, with an accumulating energy that arrives with a rhythmic jolt, and – increasingly as he gets older – with exquisite touch, with charm and reflection: “The music that we play today should reflect the journey of our lives,” he says.

All of those qualities should be in play next month (May 25-28) at SFJAZZ as Rubalcaba joins two other virtuosos – pianists Chucho Valdes and Michel Camilo – in a tribute to the pianist and composer Ernesto Lecuona (1895-1963), whose canon is synonymous with Cuba’s pianística tradition. Every Cuban pianist must come to terms with Lecuona, whose music bridged the popular and classical worlds; his renown as a composer in Latin America is often compared to that of George Gershwin in the United States. He penned popular hits: “Malagueña” is instantly recognizable to almost anyone. But he also composed symphonic works and piano suites, matching harmonic subtleties with infectious ostinato bass lines, never losing sight of what Rubalcaba calls the “essence of Cuban music, the black factor, the African roots. In Cuba we found a way to explore and develop all those roots together with the European classical music, and together with the music of other countries, like Mexico, and with America’s jazz culture. This may be the big benefit that Cuban music has – the openness to collaboration, accepting influences from the outside without being afraid of losing what we have. We believe it’s important to be in contact with what is out there.”

For Rubalcaba, Lecuona offers a template for going “out there” in so many ways.

“Lecuona was a complete musician,” he explains. “He used to play his own music, but he was also able to play Liszt, Rachmaninoff, Gershwin, Chopin, Schumann. He was able to compose for different types of ensembles – chamber music, symphonic music — and he wrote I don’t know how many songs, with lyrics, many of them very famous in his time. And then he also became a businessman, who created this amazing” – he pauses, searching for the right word – “this amazing corporation. He made a huge show with his orchestra and singers and dancers and they were able to tour around the world,” stopping at Carnegie Hall in 1953. “So he worked many directions in his life, and I think he’s a great example of how much you can do in life when you really are focused.”

Rubalcaba could be describing his own work ethic.

In September, he performed a Bartok concerto with the Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra. In the following months, he performed with Chick Corea. He toured Europe with his New York-based quartet, paying tribute to Haden. He recorded with Jopek and is now about to record with the Spanish flamenco singer Esperanza Fernandez, with whom he has an ongoing collaboration. He also is going on the road with Valdes; on April 30, the duo will perform at the International Jazz Day celebrations in Havana, and they, too, plan to make an album. There is much more: Rubalcaba is increasingly drawn to video projects. He has been learning about electronics and ambient sounds from his 27-year-old son Joao, a music producer in Brooklyn.

And somehow Rubalcaba, who lives outside Fort Lauderdale, Florida, finds time to teach at the Frost School of Music at the University of Miami – all of this adding up to what for most people would be an exhausting regimen. For many years, he practiced six or seven hours at a stretch, every day. No more: “Now I cannot do that. Maybe my neck hurts. Maybe my hips hurt,” he says, sounding amused. “So now I have to split the six or seven hours in different parts of the day. I spend 2.5 hours, and then I stop and I compose or I do this or that and later I come back to the piano and I do 2.5 more. The point is to learn how to get important results without ignoring the reality of your body and your mental state.”
Chucho Valdés, Gonzalo Rubalcaba & Michel Camilo pay tribute to Ernesto Lecuona, only at SFJAZZ May 25-28.

Certain words keep coming up in the conversation: discipline, responsibility, focus.

“My mother was the first person who really put me on this track,” he says. “She was a sweet person, but at the same time she was a very strict person.” He pauses, then adds, “It was impossible to negotiate with her.”

Yolanda Fonseca, his mother, allowed for normal activities: toys, TV, playing with friends. But in school, as in music, Gonzalo learned not only to put in the time, but to “get the best results. You need a plan, or you’re losing time.” This applied to his health, as well. He was asthmatic as a boy: “I had problems with the blood and with my breath, all kinds of problems and – look, I was always in the hospital, but I never lost a year to school. Again,” he reiterates, “my mother was clear that we had to find a way to get out of those health problems.” (Around age 12, he began running, avidly, along the ocean, which made all the difference). “We cannot ignore what you must continue doing in your life, she told me, and that included school and my preparation and training.”

His father, Guillermo Gonzalez Rubalcaba, was a pianist who played with Enrique Jorrin, the violinist credited with inventing the cha-cha-cha. Gonzalo began piano studies around age eight or nine, but he already was playing drums – and played them in the family band into his teens. His parents’ living room was a musicians’ hangout and rehearsal space where he met many of the period’s eminent figures: vocalist Omara Portuondo, pianist Frank Emilio Flynn and Los Van Van drummer Changuito. The latter blew Rubalcaba’s mind, playing scales on coconuts and inventing rhythmic structures that seemed to arise out of Changuito’s “different mental structure.”

Early on, Rubalcaba internalized the perspective of a drummer: “It’s part of my innards. That is the instrument that took me into the music,” he says.

He also was listening to his father’s Art Tatum and Charlie Parker records. After Cuban folkloric music and European classical studies, American jazz improvisation – Keith Jarrett later became a key influence — added a dimension to his playing that took him “into orbit.” By age 17, he was touring Europe with Orquesta Aragon, the venerable charanga outfit, and felt ready to ditch his schooling. It was his mother who insisted that he return to conservatory to study composition.

It made him a more complete musician.

That’s what Gillespie, Haden and other American jazz musicians recognized in him when they began to visit Cuba in the mid-1980s and discovered Rubalcaba – he was the complete package.

By the time he left Cuba in November 1991 – Fidel Castro’s government allowed him to move to the Dominican Republic, where he stayed five years before moving to Florida – Rubalcaba was a certified phenomenon. When he played “Giant Steps” at a festival in Japan in 1992 – you can watch it on YouTube — the musicians standing at the side of the stage, including Michael Brecker, appeared mystified by his prowess.

Back then, Rubalcaba played with an urgency and confidence that verged on cockiness: “When we are young, sometimes we believe that we know a lot,” he comments.

These days, he tends toward a less bravura posture: “It’s impossible for me to play in the same way that I played 20 or 30 years ago. Even if I wanted to, I cannot repeat that, because this is a different reality, a different moment. I’m the same person, the same essence. But I have more experiences, more stories behind me, and all these things are reflected in my music.”

He has three grown children and a wife, Maria, of 31 years. Time passes and he has come to think of himself as “a transmitter” of music, continuing the work of his grandfather and father, who “preserved the memories and the meaning” of the Cuban music of their eras. He will do the same for his own era, for “there’s a spiritual factor in the practice of the music that we cannot avoid. At the end, what is present there is our spirit. It’s who we are.”

  • Tribute to Ernesto Lecuona w/ Chucho Valdés, Gonzalo Rubalcaba & Michel Camilo coming to SFJAZZ May 25-28. Tap here for more info.

Entrevista al pianista cubano Gonzalo Rubalcaba con motivo de su concierto en el Espacio Cultural CajaCanarias

Gonzalo Rubalcaba – By Philip Klint Thursday, November 24, 2016 at 07:30 AM EST Time Warner Cable Noticias NY1

Jazz di Cuba a Sacile con il quartetto di Rubalcaba Stasera, allo “Zancanaro” di Sacile, il pianista si esibisce insieme a Gola, Hernandez e Hidalgo

Gianfranco Terzoli


SACILE. Quattro leggende del latin jazz per la prima volta insieme sullo stesso palco. Quello del Teatro Zancanaro, dove stasera alle 21 per “Il Volo del Jazz” si esibirà un quartetto che promette un’eruzione di suoni latini. Non per niente si chiama Volcan il progetto dei cubani Gonzalo Rubalcaba, Armando Gola e Horacio “El Negro” Hernandez e del portoricano Giovanni Hidalgo, musicisti che singolarmente hanno suonato con gente come Santana, Paul Simon e Art Blakey e che messi insieme hanno pubblicato oltre 150 album.

Quattro personalità così possono coabitare perché – riferisce Rubalcaba – hanno capito la necessità e l’importanza della convivenza: ci guadagna la musica e quindi lo spirito. «La nostra – dice il pianista, quindici nomination e due vittorie ai Grammy – è una band formata da amici e compagni di una carriera lunga quasi 30 anni. Nell’84 ho chiamato Hernandez (batterista vincitore di cinque Grammy, uno per “Supernatural” di Santana) perché mi aiutasse a dar vita, insieme ad altri giovani talenti, all’idea di una band che aggiungesse qualcosa alla già ricca scena musicale cubana di allora. Io e Hidalgo (percussionista vincitore di due Grammy di cui uno con Arturo Sandoval e al fianco di Dizzy Gillespie e Art Blakey) ci siamo conosciuti al Festival di Varadero: avevamo solo 17 anni e da allora abbiamo collaborato a vari concerti e progetti discografici: tra questi mi sta particolarmente a cuore “Antiguo”. Gola (bassista chen vanta due Grammy e ha suonato pure con Jennifer Lopez) fa parte di una generazione giunta negli Stati Uniti a metà anni ’90 ed è stato nel mio secondo “Quartetto cubano”. Tre anni fa – prosegue – durante una registrazione a Miami con Stefan Glass, Hidalgo ci propose un progetto comune. Propose anche il nome, “Volcan”. Con esso cerchiamo di creare un repertorio che non serva solo per mostrare le nostre capacità individuali, ma tenti pure di riconoscere il lavoro di grandi artisti dell’emisfero americano».

Volcan esplora in veste inedita composizioni originali di Rubalcaba e rivisita classici di Dizzy Gillespie, Chuco Valdès e dei brasiliani João Bosco e Chico Buarque. «Il processo di evoluzione e crescita della musica brasiliana e cubana – rileva – è stato parallelo. Entrambe le culture hanno elementi simili (religiosi, ritmici, letterari) oltre a una reciproca ammirazione. Abbracciamo questa musica con profondo rispetto». «A Sacile – riprende – interpreteremo contenuti del primo cd, versioni di alcuni classici cubani e un pezzo risalente al mio primo periodo compositivo (1984) con il gruppo “Proyecto”. Il rapporto col nostro paese è ottimo. «Dall’89 ho avuto il privilegio di suonare in Italia praticamente in ogni tour europeo. Il pubblico italiano, oltre che estremamente sensibile e gentile, è molto vario».

 Rubalcaba ha suonato con Al Di Meola e Charlie Haden. «L’interesse per la musica, per sviluppare idee e mantenerle al più alto livello – spiega – rende possibile l’unione e l’apprendimento, l’amicizia, l’impegno emozionale e professionale»..

Gianfranco Terzoli

“Diversidad” latinoamericana en Latin Jazz


Gonzalo Rubalcaba foto by Rene Hernandez














Por Alicia Rinaldi BUENOS AIRES, 26 (ANSA) –

América Latina vive una “etapa de redefinición de la pianística”, todavía “muy controlada por códigos europeos”, pero en los jóvenes existe una creación “sin temor” a sumar la “esencia popular”, afirmó el reconocido músico cubano Gonzalo Rubalcaba.
    El compositor y virtuoso exponente del Latin Jazz, de 52 años, dialogó con ANSA, antes de protagonizar el “bello reto” de tocar temas de su último disco, “Fe”, en el Festival Internacional Piano Piano, con intérpretes de diferentes géneros, en curso en el Centro Cultural Néstor Kirchner.
    “Es necesario este tipo de encuentros porque por años lo que se ha buscado es establecer muros entre géneros más que puentes: que si lo popular, lo folclórico o lo clásico. Y esto es una posibilidad real de vincular artistas de diferentes nacionalidades y generaciones con una historia contrastante”, afirmó Rubalcaba.
    Galardonado con dos Grammy por sus discos Supernova (2002) y Solo (2006), sostuvo que Latinoamérica vive “una etapa de redefinición de la pianística, todavía muy controlada por códigos estéticos europeos”. Algo que “no es negativo” en sí mismo, pero resaltó que en la actualidad “hay artistas que entendieron que es importante desarrollar otras formas de expresión musical”.
    Rubalcaba se formó en un ambiente de músicos desde niño, en su casa de La Habana, donde estudió en el Conservatorio Manuel Saumell, percusión en el Amadeo Roldán y composición en el Instituto Superior de Arte.
    En su increíble carrera, a los 17 años Dizzie Gillespie lo escuchó al piano y lo invitó a tocar, a los 20 realizaba giras por Europa con la Orquesta Aragón cuando conoció a Charlie Haden, con quien compartió -más tarde- discos, giras y mucha experiencia.
    El músico recordó que en su época de formación el piano era considerado dentro de las “llamadas carreras largas”, con 12 años de estudio de autores europeos y muy poco margen para los cubanos.
    En la actualidad, las “nuevas generaciones ven que hay otras formas y otros códigos a involucrar en la composición, sin temor a trabajar con la esencia popular de cada país”, destacó.
    Rubalcaba, docente hace un año en la estatal Universidad de Miami, criticó la “falta de difusión de lo que no pertenece al mundo uniformado” de la música en los medios de comunicación.
    Para el artista, es parte de un “problema a nivel mundial en las escuelas” y es que existe “poco empuje en los estudiantes a que encuentren su camino” propio.
    El camino es “estudiar y conocer” a los grandes, como Jhon Coltrane, Charlie Parker o Gillespie, “pero tener las herramientas para creer en los que podemos revolucionar nosotros mismos, sin temor a no ser aceptados y a que el camino sea muy largo”, explicó.
    Se trata de “luchar contra una ola inmensa” e “inducir al niño que no debe darle miedo el sabor de lograr algo que se diferencie, con intereses propios, emocionales, culturales; no tiene precio, yo apuesto por eso”, enfatizó. En esa misma línea, “los latinoamericanos le aportaron mucha diversidad al jazz”, sostiene Rubalcaba. El músico que eligió el Latin Jazz “ha entendido la importancia de respetar el lenguaje de la tradición jazzística pero abrazar constantemente su tradición y establecido una comunión donde conviven las cosas de manera normal”, sintetizó. Extra Show Música 23/07/15 Gonzalo Rubalcaba “Busco ser irreverente”

El pianista cubano, que ganó dos Grammy y se presenta hoy en Buenos Aires, cuenta su modo de evitar el cliché.


 Virtuoso. A los 52 años, el artista vive en los Estados Unidos.

Un pianista de exuberante virtuosismo y que escapa de convencionalismos musicales. Gonzalo Rubalcaba, cubano, nacido en mayo de 1963, es uno de los pianistas esenciales en ese proceso de maridaje entre el jazz y otros géneros. Estudió piano clásico y composición, y a los 14 años comenzó en la Orquesta Aragón su carrera como músico profesional. Su relación con el trompetista Dizzy Gillespie, con quien grabó un disco, en 1986, le permitió ser reconocido como uno de los jóvenes leones del jazz.

Ganó dos Grammy en el rubro de Latin Jazz; el primero, por Supernova, en 2002 y, el segundo por Solo, en 2006. Sus discos Flying Colors, con el saxofonista Joe Lovano, y Nocturno, con el contrabajista Charlie Haden lo mostraron como un pianista pleno de renovadas ideas y de una modernidad inusualmente cálida.

En su segunda visita a Buenos Aires, Rubalcaba, hoy hará un concierto de piano solo, basado en su último disco, Fe, un tributo a Alejandro García Caturla y Amadeo Roldán, dos compositores cubanos pioneros en la música contemporánea de la isla (ver “Hoy”). “La música que interpretaré tiene como sentido el de abrazar este legado, casi olvidado, del que surge un lenguaje formado por un pianismo cubano con proyección universal”, señala este músico, que vive actualmente en Florida, en los Estados Unidos.

Durante la charla telefónica, Rubalcaba explica que su propuesta es de una permanente movilidad. “Tres de las composiciones están dedicadas a mis hijos, Joan, Joao y Yolanda, en las cuales trato de explicar los rasgos de cada uno de ellos y cómo los percibo, pero tengo en cuenta que crecen y eso provoca que estos temas también intenten crecer con ellos”.

Para el pianista, hablar de música es una forma de especular desde lo poético. “Es difícil categorizar; lo que uno expone con la música es lo que vive, desde lo emocional, lo intelectual y lo social. Diría que en los últimos quince años se ha manifestado en mí un constante explorar sonidos y climas que tienen relación con músicos de diferentes latitudes, artistas que tienen morfologías distintas, concepciones personales y forman parte de un movimiento histórico particular”, detalla.

Sobre su música, dice que “tiene una actitud movediza, dinámica y Fe no escapa a este constante explorar. Es un acercamiento diferente, solitario y un reto, que comienza con la elección del repertorio hasta conseguir una línea conceptual, una forma de conexión entre las composiciones, una unidad, pues de lo contrario se puede convertir en una letanía”.

¿No teme las distancias que puede haber entre “Con alma”, de Gillespie y “Blue In Green”, de Evans?
Ambas son composiciones importantes para mí y me permitieron mostrar la amplitud que tienen. Son temas que tienen puertas y ventanas para abrir y poder desarrollar mi propia lectura de estos clásicos. Son composiciones que proponen distintas formas de aproximarse y eso trato de dejar en evidencia en el escenario.

El músico también hace especial hincapié en el cuidado permanente que tiene para eludir los clichés. “El ser humano desde siempre tiende a entenderse con la gravedad, y entonces buscamos acomodarnos y así sentirnos cómodos. Mi música evita el lugar común, en el que es tan fácil caer y tan costoso salirse luego. No quiero decir con esto que me rebelo a estas situaciones, sino que busco ser irreverente”, explica el artista que, además, probablemente haga en su concierto algo de la música del compositor y pianista Ernesto Lecuona. “Antes tengo que llegar a Buenos Aires y tomar contacto con la ciudad y sólo ahí sabré exactamente que tocaré en el escenario”, concluye.

(Hoy, 21 horas en el CCK, Sarmiento 151, Sala La Ballena Azul).

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